“A hawklike man flying sunward” by Diango Hernández
What did it mean? Was it a quaint device opening a page of some medieval book of prophecies and symbols, a hawklike man flying sunward above the sea, a prophecy of the end he had been born to serve and had been following through the mists of childhood and boyhood, a symbol of the artist forging anew in his workshop out of the sluggish matter of the earth a new soaring impalpable imperishable being? A Portrait of the Artist as a Young Man (1916). James Joyce
On Monday morning, May the 19th I was desperately running through the São Paulo airport -anyway didn’t matter how fast I ran because I already knew my next flight was gone. After that long trip from Linz, Austria to São Paulo, Brazil, I felt so tired that I seated for a moment in one of those mostly useless -in the middle of nowhere- airport benches. I saw hundreds of people running, sweating, passing through and for sure none of these strangers could have ever guessed what I was bringing with me. Mostly I was carrying blank canvases, brushes, oil colours and a book with tropical cocktails recipes. While seating in that bench I kept wondering what am I doing here? I knew I had to be instead in Linz, preparing an exhibition that was planed to open within the next two weeks. I almost fell asleep when the smell of a burning cigarette woke me up.
My final destination was Santo André, a little fisherman’s village that belongs to the state of Bahía. I arrived to Santo André with the help of at least 10 transportation means; after 22 hours of continuously missing my connections, I touched land. Only few seconds after arriving in Santo André I saw the first rewarding image: the sea wearing its best blue and the sun playing with it -all glitters here, I said to myself on the way to visit Claus Föttinger who kindly offered me coffee and a little conversation that days later escalated to a friendship, surrounded indeed by all sorts of glitters. After a long nap and refreshment I was feeling fit and ready to perform what I know best -to be relax.
I was in Santo André taking part in a very particular project, a one-of-a-kind project. Together with 6 German artists I was invited by Achenbach Art Consulting to make artworks (in situ) for a newly built resort called Campo Bahía[1] the same place that weeks later hosted the German Soccer National team. What an overwhelming energy surrounded those days, everybody was working non-stop and the wonderful thing was that didn’t look like it. There was an exhilarating energy all over, the same kind of energy that we can sense when it rains and at the same time the sun shines, a sort of electricity.
As an artist I’ve never been invited to a place (institution/biennial/whatever you would like to think of) in which I had better working conditions; In Santo André I had nothing and everything at once. Striking to see that under such circumstances friendship matters, all the artists that stayed and worked in Santo André unfolded a tremendous sense of awareness and camaraderie.
The “watchmaker” that with joyful precision engineered this project was Helge Achenbach, the only “art advisor” I know that with a smile makes you believe that at the end art is not that serious. A month before travelling to Brazil I received a phone call from Helge –Diango… are you in or out? When someone calls me and asks me such things I have to answer wearing my Tony Montana voice, so I replied –Helge… I am always in, and then he said –Well it is very simple, you’ve got the trainers’ house at Campo Bahía, you can do whatever you like inside. Just the idea of doing something for the house where Jogi (Joachim Löw) will be staying at during the World Cup triggered on me all sort of fantasies. For the first time I felt that something made by me could have a real practical use, I suppose I was like Jogi’s personal image therapist; knowing that whatever I would put inside of that house could influence in some way his World Cup’s days genuinely thrilled me.
The project that I was finally resolved to do for the trainers’ house Casa Maloca was called “Some drinks, some hurricanes”. A series of tropical cocktails recipes painted on canvas and two “retired” hurricanes tracks made out of round iron bars. In both series of works there was something visibly abstract and at the same time both contained a hidden narration. A story that everyone easily could have accessed by just getting closer to the paintings and realizing that they were in fact recipes for cocktails. After all if one of these days you find yourself drinking a tropical cocktail is because whether you are in holidays -and you have already left behind your boring and daily reality- or; wake up! it was only a dream. I installed a cocktail painting in every sleeping room of Casa Maloca, they were hung in the same spot where time ago people used to hang religious icons, right there on top and in the middle of the bed’s headboard. The hurricanes got installed in two of the staircase’s walls, maybe in the most communal and impersonal area inside the entire house. After 8 tropical exultant days I was ready to go back home, hoping that the German trainers would “drink” my cocktails and could stand with joy in the middle of the upcoming “hurricanes”.
I didn’t miss any of my connecting flights on my way back to Europe, all worked out well and after a rather pleasant flight I arrived to my final destination. Took me a few days of recovery when I finally woke up from my “Brazilian coma” first thing I did, I checked my bank account just to know if I’ve received the payment for the work done at Campo Bahía… for my surprise I didn’t! Ummm… something is not quite right. A terrible feeling suddenly took over all my mental capacities and froze me. You probably know that kind of mood we get into when somebody make us feel like idiots. Someone fooled me, again! I thought. Before getting angry / disappointed / hysteric I contacted Helge Achenbach, his prompt reply certainly calmed me down. –Don’t worry Diango… I’ll call my people tomorrow and I assure you that by the beginning of next week you’ll receive your payment. What really happened was that by the beginning of the next week Helge Achenbach was in prison and I was left behind in the middle of no where empty-handed. Until that very day everything was painted with happy “cocktails” colours, from then on the furry of “hurricane’s” howling winds took over, carrying off all the fun.
What a surprise! one more time the artist didn’t get pay or more suitable to say, especially in these cases -the artist GOT FUCKED. At Campo Bahía every body else -except the artists- got remunerated: the German soccer players, the trainers, the Brazilian workers, the press, the cleaning staff, the service staff, and so forth. The “art world”, the wildest world of all, with its savagely fierce and cruel species proves again that is totally out of control. If there will be a door to the “art world” it is probably the same one of Dante’s Divine Comedy on which he engraved:
“All hope abandon ye who enter here”.
Dante and Virgil approaching the entrance to Hell. Doré, Gustave 1890
[1] Campo Bahía reportedly cost around £25 million, and was build by a German real estate developer. Whilst many sources incorrectly state that the German Football Federation built the facility themselves, the DFB themselves have repeatedly pointed that this is not the case: “Campo Bahia was not built by us, for us or in accordance with our requirements”.
Completion was originally scheduled for March 2014, and there were worries it would not be fully complete for the start of the World Cup. According to media reports, the resort was completed just days before the arrival of the national team. The Germany team was the first occupant of the facilities. After the World Cup the resort was opened to the public.
The resort covers 15,000 square meters, and includes 14 two-storey houses, 65 residential units, a fitness centre, training pitch, a restaurant, a pool area and easy access to the beach. A football youth academy and an orphanage will be built on the site as well.
Source: http://en.wikipedia.org/wiki/Campo_Bahia
Photos: We document art
„Das Runde muss ins Eckige“. Zur Kunst im Campo Bahia von Gregor Jansen
Ferner ist natürlicherweise der Mittelpunkt des Körpers der Nabel. Liegt nämlich ein Mensch mit gespreizten Armen und Beinen auf dem Rücken, und setzt man die Zirkelspitze an der Stelle des Nabels ein und schlägt einen Kreis, dann werden von dem Kreis die Fingerspitzen beider Hände und die Zehenspitzen berührt. Ebenso, wie sich am Körper ein Kreis ergibt, wird sich auch die Figur eines Quadrats an ihm finden. Wenn man nämlich von den Fußsohlen bis zum Scheitel Maß nimmt und wendet dieses Maß auf die ausgestreckten Hände an, so wird sich die gleiche Breite und Höhe ergeben, wie bei Flächen, die nach dem Winkelmaß quadratisch angelegt sind. Vitruv
Dieses Sepp Herberger, dem Fußball-Philosophen der Nachkriegsära, zugeschriebene Parabelmoment des Ziels allen (taktischen) Bemühens auf dem Platz, ist auch eine Beschreibung des alten Prinzips von der Quadratur des Kreises, oder aber dem berühmten „Vitruvianischen Menschen“, um 1490 entstanden, von Leonardo da Vinci. Leonardo und Vitruv, die Renaissance in Florenz und der Fußball. Der Kunsthistoriker und Marathonläufer Horst Bredekamp zeigte, wie ausgerechnet der Fußball (»calcio«) im Florenz der Medici zu weit mehr diente als nur der Zerstreuung des Fürsten und der Ablenkung des Volkes.[1] Gespielt von der Machtelite des Staates zur Karnevalszeit, war er ein probates Mittel zu ihrer Selbstdarstellung wie zur Festigung staatsbürgerlicher Tugenden. Es wurde hart gekämpft und bisweilen ging es um Leben oder Tod. Schon damals aber diente er auch als Ventil für die frenetischen Massen, die mit bis zu 40 000 Schaulustigen an den »calcio«-Festen teilnahmen. Brot und Spiele, Sport und Theorie liegen gesellschaftlich somit immer schon nahe beieinander und haben nicht nur anthropologisch sich viel zu erzählen.
Sepp Herberger dachte wie Vitruv, als er die Formel des Fußballspiels schlicht und stimmig geometrisch beschrieb. Und wenngleich diese Formel immer noch stimmt, ist selbstverständlich heute der Fußball eine analytische Großtaktik und mathematisch präzise Strategie mit vielen Parametern geworden. Des weiteren besitzt Fußball immer noch eine enorme gesellschaftspolitische Dimension, einen Identifikationsraum, der lokal intendiert, aber national und global umgewertet werden wird, wenn Fans, Marketing und Wettbewerbe ins Spiel kommen. Gleichwohl der Glamourfaktor im Profi-Fußball teilweise irrwitzige Ausmaße angenommen hat und Sportwetten oder Manipulationsverdachte, Spielertransfers oder gigantische Stadienprojekte, Merchandising und Sendevergaberechte Kapriolen schlagen wie in anderen massentauglichen Breitensportarten auch, packt emotional und irrational Millionen Menschen in der Welt das Fußballfieber, sobald der Ball rollt und 22 Spieler versuchen, das Runde ins Eckige zu befördern, oder aber es zu verhindern suchen – je nach Perspektive. Internationale Wettbewerbe und vor allem die alle vier Jahre sattfindende Weltmeisterschaft bilden hierbei die Sternstunden des internationalen Fußballs. Auch in der Kunst gibt es zeitgenössische Parallelen, welche mit irrwitzigen Auktionsrekorden, abstrusen Summen für Kunstwerke, globalen Kunsttransfer und Jetset-Parties zwischen Miami, Paris, London, Berlin oder Hongkong der Kunstmeute die passenden Events bieten, am kulturellen Leben Teil zu haben und zu zeigen, was man hat. Kunst ist hip und das Abschöpfen der Renditen normaler Selbstzweck geworden. Aber es geht auch anders, wie das ambitionierte Projekt artatcampobahia zeigen möchte.
Zur Fußball Weltmeisterschaft 2014 in Brasilien wird die deutsche Nationalmannschaft 30 Kilometer nördlich des beliebten Urlaubsortes Porto Seguro ihr Basisquartier aufschlagen. Das 15.000 Quadratmeter große Sport- und Naturressorts umfasst 14 zweigeschossige Wohnhäuser, Funktionsgebäude sowie einen Trainingsplatz. Das Quartier wurde für die Weltmeisterschaft neu gebaut und bietet der Mannschaft, den Trainern und Betreuern, dem gesamten Stab der deutschen Delegation Raum zum Leben, Trainieren, Entspannen. In diesem noch „kulturleeren“ Neubau bietet sich die Möglichkeit, die Begegnung der Länder Deutschland und Brasilien auch visuell zu vertiefen und dem Camp während der Weltmeisterschaft eine eigene kulturelle Identität zu geben.
Zeitgenössische Kunst aus Brasilien und Deutschland
Welches Medium wäre neben dem Sport, dem Kräftemessen und Wettkampf wie bei dem Turnier der Fußballweltmeisterschaft, besser geeignet, verschiedene Kulturen zu verbinden, als das der Kunst? Kunst eröffnet neue Sichtweisen, zeigt kulturelle Hintergründe auf, befasst sich mit Identität und deren Veränderung, sie hinterfragt, regt zum Nachdenken und zur Kommunikation an, da sie Sprachbarrieren überwindet und so das Interesse füreinander und den aktiven zwischenmenschlichen Austausch fördert. Kunst verbindet beim und durch das Betrachten – ähnlich wie der Sport, der eine Verbindung durch das gemeinsame Spielen schafft.
Das Kunstprojekt und die Gestaltung der neuen Räume des Campo Bahia bietet die Gelegenheit, die Begegnung der Kulturen als gestaltende Elemente der Gebäude und auf dem Gelände sichtbar zu machen. Somit werden 14 Räume nach Außen wie nach Innen neu definiert über die innere Einkehr, die Freude am Austausch und als Aspekt der positiven Ausstrahlung der internationalen Begegnung. Jeweils sieben ausgesuchte deutsche sowie brasilianische Künstler haben teilweise direkt vor Ort Arbeiten erstellt. Gemeinsames Arbeiten und Wohnen mit Workshopcharakter direkt im Camp ermöglichte den Künstlern sich auszutauschen und durch das Aufnehmen neuer Impressionen und der lokalen Gegebenheiten für das Campo Bahia gezielt Kunstwerke zu schaffen. Nicht zuletzt bestimmten die je sieben Künstler aus Brasilien und Deutschland zu einem wesentlichen Teil die Atmosphäre der Wohnräume der deutschen Fußballnationalmannschaft jenseits banalen Interieur Designs.
Die Künstler und ihre Arbeiten
Folgende Künstler wurden eingeladen, die 14 Quartiere mit insgesamt 60 Zimmern zu bespielen – getreu dem Motto, Konzentration auf das Wesentliche, die Mitte finden. Für Brasilien treten an: Tatiana Blass, Rodrigo Braga, Loredano, João Modé, Marcone Moreira, Maria Nepomuceno, Afonso Tostes. Für Deutschland sind ebenfalls sieben im Rennen: Silke Albrecht, Martin Denker, Isabella Fürnkäs, Diango Hernandez, Chris Succo, Alexander Ernst Voigt, Moritz Wegwerth. Des weiteren gibt es ein Special Project mit den beiden Deutschen Claus Föttinger und Andreas Gursky, als auch Außeninstallationen von dem britischen Künstler Jason deCaires Taylor und dem Spanier Juan Gopar.
Die Malerin Silke Albrecht arbeitet momentan hauptsächlich mit Farbschüttungen, welche sie übereinander lagert. Sie kapriziert sich mehr und mehr auf große Formate, aber beherrscht auch das kleine Format. Man ist geneigt zu sagen, ein klassisches Portrait-Format, wobei auf den ersten Blick reine Abstraktionen erscheinen. Durch die Schichtungen bilden sich immer wieder neue „Landschaften“, in denen der Bildrahmen auch keine echte Begrenzung ist. Das Nebeneinander dieser Schichten offenbart ein komplexes, malerisches Geflecht, welches den Bildraum erweitert. In ihrer aktuellen Werkgruppe, und somit auch für Campo Bahia, arbeitet Albrecht mit Lackschüttungen und Materialeinstreuungen. Die Farbe reagiert als pastose Masse über die verschiedenen Bindemittel und in der Ausrichtung der Fließrichtung – sie entwickelt gleichsam ein Eigenleben, das über die Abstraktion in mikro- oder makroskopische Bereiche vorstößt. Albrecht reizt die Mittel von Farben und Lacken aus, um eine Art alchemistische Neuschöpfung herbeizuführen. Während der Trocknung laufen chemische Prozesse ab, aus denen Verformungen, Häute, Buckel, Adern, Narben, Krakelees und anderes entstehen, so dass das fertige Bild sich aus der Fläche zu lösen scheint und eine Dreidimensionalität annimmt. Es erlangt zumindest eine solche Wirkung und beginnt ein Eigenleben, seltsam pulsierend, organisch. Starke Farbsetzungen, komplementäre Divergenzen, oft auch Neonakzente, kontrastieren dazu. Gleichwohl hat man auch Anklänge von biologischen, oder chemischen Prozessen unter dem Mikroskop, oder Landschaften und Satellitenbilder vor Augen. Mit diesen Farbschüttungen experimentiert Silke Albrecht, von der Erweiterung der malerischen Oberfläche kommend, mit dem Zauber der Verformung, dem kontrollierten Zufall und dem Reiz der abstrakten Vorstellung von Etwas. Etwas als formlos Geformtes, als neu bekanntes Unbekanntes. Das gestisch spontan, abstrakt und zufällig erscheinende Leinwandgespinst ist in Wirklichkeit ein sehr souveräner Umgangs mit dem Material Farbe, eine enorme disziplinierte Konzeption von Malerei mit den ureigenen Mitteln des Mediums. Titel gibt Silke Albrecht ihren Bildern nicht, dahinter steht bereits eine Absicht, die die Freiheit des Betrachters ihrer Arbeit gegenüber bereits einschränken würde – und das wäre schade.
Martin Denkers großformatige fotografische Panoramen entstehen am Computer. Es sind Montagen, oder auch nicht-lineare Collagen, die sich als Konsequenz aus dem Spannungsfeld der Prinzipien und Philosophien seiner Professoren und Lehrmeister der Düsseldorfer Fotoschule ergeben: zwischen den Phänomenen von Entropie und Auflösung in den Vervielfältigungsprozessen von Bildern zum einen, von minutiös detaillierter Darstellung komplexer Struktursysteme zeitgenössischer Freizeit- und Massenkultur zum anderen. Am Scheitelpunkt von Wachstum, an dem sich Information in ihrer emergenten Masse ins Gegenteil verkehrt und zum Ornament wird, hinterfragt Denker, inwieweit Bilder und insbesondere Fotografie überhaupt noch als Schlüssel für Rezeptionsprozesse und die Auseinandersetzung mit der Welt taugen. In seinen Arbeiten verbindet er das adaptive Verfahren der Fotografie mit dem additiven Gestus der Malerei und formuliert auf diese Weise seine Antwort auf die apokalyptische Bilderflut der Gegenwart.
Umso interessanter ist das in seinem Werk ungewöhnliches Verfahren der Porträtfotografie, welches er für Campo Bahia anfertigte. In eindringlichen, imposanten wie zarten Aufnahmen einiger Personen der Pataxó-Indianer in der Nähe des Campo berührt Denker einen gesellschaftspolitischen Aspekt, der im Rahmen der Fußball-Weltmeisterschaft eine nicht zu vergessende Position einnimmt. Es geht um die Auswirkungen dieses Festes auf die Einheimischen und hier im Speziellen um die in einem Reservat ihren Grundrechten beraubte Ureinwohnerschaft des indigenen Volkes. Heute lebt ein großer Teil der Pataxó im Indianerreservat Monte Pascoal in der Nähe von Porto Segura im Bundesstaat Bahia, gedemütigt seit der 500 Jahre alten Begegnung mit den Portugiesen und dem Rassenproblem gegenüber den neuen Herrschern ihres Landes. In den wundervollen Porträt des Häuptlings, seines Sohnes, dem kommenden Medizinmann und einigen Personen aus dem friedlichen Dorf im Urwald, spiegelt sich Martin Denkers Sensibilität für eine zwar kleine Minderheit in dem großen, und von vielen Problemen belasteten Paradies Brasilien. Eine Beschäftigung mit den Menschen der Region ist nicht nur wünschenswert, sondern wichtig. Ein sehnlicher Wunsch vom Künstler als auch von den Fußball begeisterten Indianern wäre ein Freundschaftsspiel mit der deutschen Nationalmannschaft, oder zumindest eine Begegnung über die Anwesenheit der Porträtfotografien in den Wohnräumen der Mannschaft hinaus. Das Leben für diese überaus eindrucksvolle Lebensgemeinschaft geht nach der WM sicher anders weiter, als es vorher war, und genau dieses „Wie anders?“ steht auch in unserer Verantwortung.
Die modularen mixed-media Zeichnungscollagen und installativen Videoarbeiten von Isabella Fürnkäs spiegeln die fragmentarische Ordnung unserer pluralistischen Zeit: eine kosmopolitische Sprache zwischen expressiver Abstraktion und naiver Figürlichkeit. Den Betrachtern eröffnen sich frei assoziative und gleichzeitig symbolisch intime Spielräume – ein fragiles Gleichgewicht der Fragmente offenbart sich. Im Zusammenspiel von medialer Überforderung und von alltäglichen Konsumstrukturen werden durch Überlagerungen und der Idee der Simultanität Gegensätze wie Nähe und Distanz sowie Pluralität und Vereinzelung auf ästhetische Weise neu formuliert. Die einzelnen Fragmente hängen vernetzt miteinander zusammen und besitzen zugleich ein autonomes Eigenleben und Individualität, welche im Gesamtkontext ihre vielschichtigen Bedeutungsebenen entfalten.
Für das Campo Bahia Projekt hat Isabella Fürnkäs installative Zeichnungscollagen und eine Videoarbeit auf einem Flatscreen zusammengestellt. Sie bespielt eines der Taba Häuser, in dem sie neun gerahmte großformatige (ca. A1) Zeichnungscollagen als einen Block, vier Paare und in einem Raum nur eines zeigt. Der Titel der Arbeit ist “FUN”, was als Wort in jeder der Collagen deutlich oder verschlüsselt lesbar ist. Alle Collagen bilden ein zusammenhängendes Bild, was unbegrenzt über den Rand hinausgeht. Ausgehend vom 9er-Kern im Hauptraum verteilt sich das “Muster” modular über die Räume des Hauses hinweg und dehnt sich aus. Die unterschiedlichen Kombinationen zeigen einen jeweils anderen Blick auf die Überfülle und Masse der sich im permanenten Bewegungsfluss befindenden Oberflächenstrukturen und fragmentierten Mustern – der Over-load im flow. Reizüberflutung und Überforderung, welche stets mit Leichtigkeit und Beschwingtheit getragen werden, stehen thematisch im Vordergrund der Arbeit.
Die Technik, Arbeitsweise, aber auch das Prinzip ihrer All-Over-Methode, der vom Ort inspirierten Abstraktion, entstehen dank der Zeichnung als direkte Vermittlung von Innenwelt, eine psychologisch aufgeladene Interpretation des temporären Lebensraums. Einem Foto gleich wird eine Momentaufnahme in einzelne Partikel, sozusagen in Aufnahmemomente zerlegt und ergibt nur als die Summe wieder ein Bild.
Ebenso geht sie in ihrer Videoarbeit “SUN” vor, bei der sie mit Überlagerungen und parallelen Handlungssträngen aus vor Ort aufgenommenem Material arbeitet, welches immer wieder neu als Handlungsstrang des Nicht-Erzählbaren, rein Visuell-Erlebten fungiert. Diese Dokumentation des Erlebens erläutert trotz poppiger Farben eindrucksvoll still, wie banal die Realität sein kann und läutert unseren Blick auf die momentane Situation, ja, es lässt sich sagen, auf einen vergegenwärtigten Zeitgeist. Die assoziativen Spielräume sind dehnbar, führen zum Teil ad absurdum, sind universal sowie alltäglich. Die vor Ort empfundene Atmosphäre und Stimmung ist somit immer auch ein Teil der Arbeit und fließt als Inspiration und mit ortsspezifischen oder am Ort gefundenen Materialien ein. Während des Projekts “Campo Bahia” haben ihre Collagen neben den konstruktivistischen Anklängen an die russische Avantgarde der 1910er Jahre einen strahlenden, inspirierten Unterton des Zeitgeists erhalten.
Immer definiert der Kubaner Diango Hernández die Linie als Form gewordene Idee (die Zeichnung als Ursprung einer Idee) und damit die Transformation eines abstrakten, noch nicht Form gewordenen Inhaltes in eine reale Existenz. Eine Gedanke ist immer nur so gut wie seine Artikulation oder Skizze/Form. Hernandez verwendet dabei gleichberechtigt gefundene, oft einfache Materialien wie Möbelfragmente, Gitter, Textilien, technische Geräte wie Antennen oder Radiobauteile. In zahlreichen Medien und künstlerischen Mitteln wie Skulptur, Zeichnung, Buchreproduktionen und Malerei ist er aktiv. Diese dienen dabei der Sichtbarmachung und Wertschätzung der individuellen wie improvisierten kreativen Leistung im Gegensatz zu starren gesellschaftlichen und politischen Systemen. Diango Hernández fragmentiert und reduziert die uns umgebende Realität. Er schafft durch seinen oft spielerischen Umgang mit scheinbar nicht zusammen gehörenden Ebenen eine neue Sensibilität für den Anspruch und die Notwendigkeit der Freiheit des Individuums innerhalb der zeitlichen Dimensionen von Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. So auch mit Some drinks, some hurricanes für Campo Bahía.Der Ausgangspunkt seines Beitrags ist eine Serie von tropischen Cocktail-Rezepten wie Mojito, Del Sol, Lava-Flow, Miami Beach, Sunset Beach, Havanna Beach, Strawberry Margarita, Frozen Mango Daiquiri. Cocktails stehen in Verbindung mit Festen und Feiern, stehen für Ferien, Sonne und gute Laune, für Spaß, Freizeit und Glück. In diesem Sinne werden Hernandez Werke in den Innenräumen der “Casa Maloca” einen feierlichen Spirit verbreiten.
„Die ‚tropischen Früchte’ stehen für mehrere Bedeutungen. Einige von ihnen sind sehr komplex, wie die Verbindung zu The Fruit Company Inc., in der die Geschichte von Monokulturen in Bezug auf den amerikanischen Kapitalismus zu Beginn des 20. Jahrhunderts nachverfolgt werden kann. Von diesem Zeitpunkt an konnten wir den Ursprung der “Bananenrepublik” und seine offensichtliche Verbindung zu den lateinamerikanischen Diktaturen herleiten. Es ist wahr, dass wir außergewöhnliche Früchte in Kuba besitzen, und es ist auch wahr, dass sie seit Jahrhunderten verwendet werden, um das unkomplizierte und wundervolle Leben der exotischen Tropen zu veranschaulichen. In diesem Sinne sind viele Klischees für koloniale oder post-koloniale Zwecke produziert worden. Auf der anderen Seite, bevor all diese Klischees geschaffen wurden, wurden die Früchte bereits von den Einheimischen ‚verehrt’ und in vielen verschiedenen Zusammenhängen verwendet, von afro-kubanischen Kulten zu verschiedenen Erscheinungsformen in den Künsten. Früchte, Palmen, Blumen, Vögel und das Meer stellten für viele kubanische Künstler Objekte von Obsessionen und Leidenschaft dar. Ganze Generationen haben sie gemalt und über sie mit Hingabe geschrieben, in dem Glauben, dass Mango oder Königspalmen zum Beispiel nicht nur Elemente zu einer und ihrer ‚tropischen Identität“ gehören, sondern mehr noch, gewissermaßen in Wirklichkeit eine eigene Art des Seins bilden.“
Für Diango Hernandez, den gebürtigen Kubaner, der bereits viele Jahre in Deutschland lebt, besteht diese Form des tropischen “Seins” ebenso. Und er fühlt sich heute reif und bereit, diese Haltung in seine künstlerische Praxis zu übersetzen, um damit aufzuzeigen, dass das Leben eher ein freudiges Ereignis sein kann und darf.[2]
Jedes Cocktail-Rezept wird als eine Öl-Malerei auf farbiger Leinwand ausgeführt und insgesamt entsteht eine Serie mit 20 Gemälden im Format 40 x 50 cm. Die Leinwände werden ohne Keilrahmen installiert oder gehängt, sondern direkt ohne Träger auf die Wände genagelt und haben mit ihren monochromen Hintergründen eine signalisierende, fast propagandaartige Wirkung. Mit diesem Projekt gehen seine Überlegungen zu postkolonialen Themen und der Erforschung der Zusammenhänge von Malerei und Exotik einen weiteren Schritt .[3]
Der Maler Chris Succo präsentiert zwei neue Serien für Campo Bahia. Grundlegend für seine Werke ist die Materialbearbeitung und Oberflächenbehandlung, welche als Pendeln zwischen Homogenität und Differenz beschreibbar ist. Die seriellen Unikate besitzen somit sich ähnelnde und zugleich einmalige Bildstrukturen. Es entsteht ein gestisch kontrollierter Expressionismus, der das Gesamt des Bildes als künstlerisches Wollen in der Bearbeitung mit den Möglichkeiten des Zufalls, der Willkür und dem Zulassen von Fehlerhaft erweitert. Diese Produktionsform der Selbstwiederholung fungiert bei Succo als ästhetischer Erkenntnisprozess. Seine erste Serie von Arbeiten reflektiert über exakt diese Anlage individueller Differenz und serieller Wiederholung. Succo mischt oder komponiert hierfür aus High-Resolution-Bilder seiner bekannten Ölgemälde mit auf dem iPad entstandenen Zeichnungen und Gesten. In diesen neuen und überraschenden Zusammensetzungen werden die natürlich mit der Hand gesetzten Pinselstriche und Flächen mit den digital erzeugten Pendants konfrontiert, was dann eben neue Bilder erzeugt, die dann auf die Leinwand gedruckt werden – so genannte Digi-Prints on Canvas. Fünf dieser einmaligen Giclée – Drucke werden in den Privaträumen der Residenz gezeigt, drei großformatige Werke aus der gleichen Serie werden in der Lounge zu sehen sein. Es lassen sich die Entstehungsprozesse studieren und schließlich reflektieren, so dass der Betrachter im Laufe der Beobachtung die Zeit der Herstellung des Werks über die Entscheidungen des Künstlers in gewisser Weise nachvollziehen kann. Denn im seriellen Arbeiten verbirgt sich ein Vexierspiel, das die visuelle und künstlerische Markenbildung, die Strategien oder Problemlösungswege offenlegt. Von besonderem Interesse ist für Chris Succo dabei nicht einfach nur eine klare Form oder prägnante Erscheinung oder Visualität, sondern die Frage nach dem Bild als solchen, die Frage nach dem wie Bilder funktionieren und welche – teilweise intuitiven – Prozesse künstlerischen Entscheidens diesen Systemen zu Grunde liegen.
Die zweite Gruppe von drei Werken für das Camp trägt den Titel “Dirty Mirrors“ und wird ebenfalls in der Lounge präsentiert. Angeregt haben Succo hierbei Fingerabdrücke auf Spiegeln, welche er in einer privaten Wohnung in London bemerkt hatte. Aber auch Fotografien von den Kritzeleien auf den Spiegeln in Michael Jacksons letzten Wohnsitz in Los Angeles waren ein Auslöser. In diesen Arbeiten steht das Bild als Spiegel der Realität, aber stärker noch als „Fingerabdruck“ der Identität und weiter geführt als Spiegel der Seele im Fokus. Wir beobachten und empfinden ein besonderes Gefühl, wenn wir uns und andere persönlich im Spiegel sehen, da nicht nur das eigene Ich, sondern jedes Element der Umgebung in sich selbst reflektiert, gespiegelt ist. Damit einher gehen unbewusst oder bewusst auch die Gedanken, Gefühle und Wünsche als ein reflektierenden Bild in den Gesamtprozess der Wahrnehmung mit ein.
Ebenso ist Alexander Ernst Voigt eindeutig ein Maler. Er schafft Bilder, die zunächst nicht die Frage nach Abstraktion oder Gegenstand aufwerfen, sondern die malerische Tätigkeit selbst in das Zentrum der Betrachtung stellen. Voigt experimentiert ohne Unterlass mit den Bedingungen des Mediums Malerei und richtet dabei sein Augenmerk speziell auch auf die klassischen wie zeitgenössischen Mittel der Bilderzeugung. Ausgehend von meist identischen Bildformaten in den Maßen 40 x 30 cm beginnt er seine Analysen, indem er ähnliche Bildstrukturen immer wieder neu unter anderen bildnerischen Bedingungen variiert.
Voigt hat mehrere Wochen im Campo Bahia gearbeitet und sich in erster Linie von der tropischen Flora inspirieren lassen. Wie unterscheiden sich die Bildfläche füllende Linien, wenn diese mit unterschiedlichen Pinselstärken oder verschiedenen Farbqualitäten gemalt werden, wie verhält sich Ölfarbe oder Acryl in Bezug zur gleichen Linie? Voigt wechselt die Untergründe, arbeitet mit geschliffenen Oberflächen ebenso wie mit roher Leinwand. Ähnliche Strukturen werden dabei unter den verschiedenartigsten malerischen Parametern untersucht. Voigts Resultate dieser Studien sind aber keine rein selbstreferentiellen Illustrationen, sondern immer spannungsvolle Bilder, auf denen man etwa parallel angeordnete Linien erkennt, diese aber als Felder sieht und Kratzer auf der Leinwand die schönsten Gräser oder Blätter ergeben. Ebenso haben seinen neuen Arbeiten eine wunderbare Lichtfülle und Transparenz, atmen die Atmosphäre der brasilianischen Sonne, Luft und Botanik. Jeder Strich im Werk von Alexander Ernst Voigt bewahrt seine Autonomie als malerisches Konstrukt, ist nie nur beschreibend oder mimetisch nachahmend und doch sind seine Bilder zugleich auch faszinierende Landschaften oder Pflanzen. Voigt richtet den Blick auf das Wesentliche, setzt auf Strukturprinzip statt Abbildung und schafft so Bilder, die in ihrer Wirkung ganz dem Medium selbst verpflichtet sind – bei Bewahrung des Zaubers ihrer Umgebung.
Moritz Wegwerth eröffnet durch seine interdisziplinäre Arbeitsweise neue Perspektiven für die Fotografie und untersucht die Grenzen zwischen Abstraktion und Zeichenhaftigkeit von Bildern. Seine Arbeiten konstruieren eine vordergründig klare Vorstellung von Welt, die sich gleichzeitig unserem Zugriff entzieht. Unbenennbare, irritierende, fiktive Orte und Situationen die vom Künstler erzeugt werden, fordern die Wahrnehmung des Betrachters heraus und stellen Fragen an das Medium. Somit führt er uns an die Grenzen von Realität und Fiktion, Glauben und Wissen. Auch wenn wir bei den konstruktiven Motiven das Gefühl haben, die Situation zu kennen und eine Art Deja-vu rekapitulieren, ist zugleich nie wirklich lokalisierbar oder auch benennbar, was genau oder in welcher Funktion da etwas wahrnehmbar ist. Ebenso haben die abstrakten Motive Anleihen an die Natur wie Meeres- oder Himmelsstimmungen – Gestalten des Flüchtigen in permanenter Wandlung. Für Campo Bahia hat Moritz Wegwerth jedoch speziell an den Ort und die Umgebung erinnernde Momentaufnahmen erstellt und abziehen lassen. Das Campo während des Aufbaus zeigt uns eine wilde Dachkonstruktion, und zwar die des zentralen Treff-Punktes, der Urwald, das Meer als Luftaufnahmen, und er Himmel vom Boden am frühen Morgen, stammen alle aus der unmittelbaren Umgebung. Sie geben Eindrücke wieder, die von außen somit auch ins Campo – in ein aus Anlass der WM erbautes Quartier – einziehen. Beim grünen Waldbild gefiel Wegwerth auch die Referenz zu einem Fußballplatz. Skurril und aus der Reihe tanzend ist das Foto der Dame in traditioneller Tracht. Dies hat eine Aussparung, die zum Durchstecken des Kopfes gedacht ist, um ebenfalls ein Foto zu machen. Der Vorhang hing tatsächlich dahinter. Bei diesem Bild wird es besonders deutlich, warum Wegwerth sich für diese in unterschiedlichen Größen geprinteten Fotografien in dieser Auswahl entschieden hat: es geht ihm im weitesten – und konstruktiven – Sinne um den Begriff der Konstruktion.
Die Arbeit von Jason deCaires Taylor ist einzigartig. Der Sohn eines Engländers und einer Guyanerin ist als Künstler und Bildhauer tätig. Seine Jugend verbrachte der 1974 in England geborene Künstler größtenteils in Malaysia, in der Nähe der aktuell bedrohten Korallenriffe. Seine Botschaft: 70% der weltweiten Korallenriffe werden im Jahr 2050 ausgerottet sein, wenn wir sie nicht besser schützen. Um die Aufmerksamkeit auf das Schicksal der Korallen zu lenken, hat der Künstler ein ökologisches und künstlerisches Manifest unter Wasser geschaffen: er taucht in diese Unterwasserwelt ein, die den Fischen und Korallen vorbehalten ist.
Taucher können die steinerne Menschenmasse erkunden, doch der eigentlich interessante Effekt lässt sich erst viel später beobachten: Nach etwas über zwei Jahren sieht man schon deutliche Anzeichen von Algenwuchs und weiteren Pflanzen und Tieren. Die Natur erobert die Skulpturen zurück und man sieht die Veränderungen, die unter Wasser vor sich gehen. Die Unterwasser-Skulpturen von Jason deCaires Taylor werden zu künstlichen Riffen, in denen das Leben Unterwasser beobachtet werden kann. Für Brasilien entwickelt Taylor anders geartete Skulpturen, die direkt sichtbar auf dem Wasser gehen… und somit ebenfalls das heikle Unterfangen des Menschen gegenüber dem Meer und das riskante „Betreten“ von Ökosystemen thematisieren.
Bereits in seiner Kindheit fertigt Juan Gopar zahlreiche Zeichnungen an, skizziert Motive seiner Umgebung und beschäftigt sich mit narrativen Themen aus seinem Umfeld. Nach einer Reise Gopars durch die Museen und Galerien Europas, kommt er 1980 an einen künstlerischen Wendepunkt: Er beginnt abstrakt zu malen und setzt sich intensiv mit den Werken von Joseph Beuys, Cy Twombly und Jannis Kounellis auseinander. Nach längeren Aufenthalten auf Teneriffa kehrt Gopar 1985 auf die Insel Lanzarote zurück.
Die Arbeiten der Serie „Arquitectura fronteriza“ und „Estancia insular“ gehören zu einem Zyklus, an dem Juan Gopar in den letzten vier Jahren gearbeitet hat. Er beschäftigt mit der auf allen Ebenen spannungsvollen Situation von Lanzarote.Die Insel, geographisch zwischen dem europäischen Festland und Nordafrika, aber auch auf dem Weg nach Südamerika und Brasilien gelegen, bringt viel Fremdartiges, Verführerisches und ungewöhnliche Begegnungen, aber ebenso auch zahlreiche Konflikte hervor. Diese Spannungen zwischen drei Kontinenten und sehr unterschiedlichen Beweggründen der Reisen zwischen Wagnis und Hoffnung, sind spürbar in der Kunst Gopars. Im Grunde sind seine Arbeiten als fortlaufende Auseinandersetzung der Kulturen – Abendland und Morgenland, erste Welt und dritte Welt, Afrika, Südamerika und Europa – zu begreifen.
Bars sind Orte des Rückzugs und der stillen Einkehr, der nächtlichen Kommunikation bei lauschiger Piano- oder Live-Musik, einem kühlen Getränk und gedämpften Gespräche oder flirtenden Blicke. Bars sind Treffpunkte der Nachtschwärmer und Schlaflosen, weniger der Ort für athletische Profikicker und Leistungssportler, gerade auch hier in Brasilien als Tourniergestresste untern hohem Leistungs- und Erwartungsdruck. Dennoch, in der WM-Bar der Düsseldorfer Fotokünstler Andreas Gursky und Claus Föttinger finden Kunst und Fußball stimmungsvoll zusammen. Claus Föttingers erste WM-Bar im Kunstkontext entstand 1990 zusammen mit Hendrik Krawen, Fenja Braster und Heinz Hausmann, vier Jahre später – zur WM in den USA – als Brasilien Weltmeister wurde, dann eine solo, jeweils in Düsseldorf installiert. 2006 – zum „deutschen Sommermärchen“ – haben Föttinger und Gursky in Düsseldorf einen Ort entstehen lassen, der zum Schwärmen und Schauen, der zum Entspannen und die-Seele-baumeln-lassen einlädt. Eigentlich ging es um Public-Viewing in einer Kunstgalerie, jetzt, acht Jahres später, geht es um einen Ort der Zusammenkunft inmitten des Weltmeisterschaftsgeschehens. Andreas Gursky ist bekennender Fußballfan, er hat seine legendäre „Arena III“ von 2003 erneut als begehbare Bodenarbeit ausgelegt – damals in Vinyl, jetzt als Teppich. Claus Föttinger beschreibt die gesamte Situation und seine Motivation sehr persönlich folgendermaßen:
„Welt am Draht war und ist immer einer meiner Lieblingsfilme gewesen, ich hab Ihn mit 13 im Fernsehen gesehen und war sofort in seinem Bann. Die amerikanische Botschaft in München am Anfang, Fleetwood Mac und all die unzähligen genialen Szenen und Themen, die mehr als 30 Jahre vor Matrix einen bis auf den heutigen Tag immer noch fesseln. Welt am Draht ist noch stets ein Zukunftsfilm und nicht wie so viele andere Filme das Relikt einer vergangenen Zukunftsvision aus den 60er70ern. Als ich Dich (Ulli) in Campo Bahia in einem Resto mit einem rosafarbenden Schlangenlederhut sitzen gesehen habe, dachte ich mir beinahe im selben Moment, wow, das ist meine “Kontakteinheit ” von Simulacron 4, Campo Bahia und ich war sofort, obwohl ich an einem so fernen Punkt im Dschungel war, in meinem Faßbinderfilmuniversum, daß mir so viel Inspiration in meinem Leben gegeben hat. Was für ein erneutes Geschenk Eurer Generation. Herbert Zimmermanns “Aus, aus das Spiel ist aus, Deutschland ist Weltmeister” ist ein fantastisches Zitat und Insert am Ende des Films Die Ehe der Maria Braun von Rainer Werner Faßbinder in seiner Deutschland Trilogie aus dem Jahre 1979. Er hat damit in kongenialer Weise, Fußball, die junge Bundesrepublik Deutschland, Nazideutschland und die deutsche Nachkriegsgesellschaft als Schicksalsgemeinschaft in einer unvergesslichen Szene der Filmgeschichte zusammengebracht. Für mich ist das ein prägender Moment gewesen und meine Idee, die “Bar” als Medium für social Engineering, social sculptering und den erweiterten Kunstbegriff zu verwenden um den jeweiligen Zustand einer Gesellschaft zu beschreiben, hat da einen seiner Ausgangspunkte gehabt, die Honigpumpe von Joseph Beuys, die ja auch fast zeitgleich in der Rückschau 1977 auf der Dokumenta gezeigt wurde, hat ein übriges dazu getan. (…)[4]
Meine Bar in Campo Bahia, eigentlich sind es jetzt 2 Bars, eine im Zentrum von Campo Bahia auf einem riesigen Fototeppich von meinem Freund Andreas Gursky und eine andere (…) in St. André ca. 1500m davon entfernt in einer Villa am Meer, die ein wenig an das Setup von Warnung vor einer heiligen Nutte erinnert, bilden den Ausgangspunkt meiner erneuten gesellschaftlichen Versuchsanordnung, mitten im Dschungel und doch im Zentrum deutscher Befindlichkeit während der Zeit der WM, davor und danach. Die historische Dimension von Fußball und Deutschland werden erneut mit den Weiterentwicklungen von 2006 und 2010 in Brasilien zu sehen sein und ich bin wahnsinnig gespannt in was für eine Richtung die Reise mit Hilfe von Campo Bahia und dem Mut von all seinen Protagonisten wohl geht. Ich freue mich sehr, Dich bald da wieder zu sehen, in meinen Arbeiten bist Du ja bereits anwesend. Es ist ein wirklicher Luxus, Dich als Teil dieser Welt erleben zu dürfen, die mich in meinem Leben so oft inspiriert hat und mich immer wieder ermahnt hat, warum es sinnvoll ist, bis jeweils an die äußerste Grenze zu gehen, die einem möglich ist.“[5]
Soweit der O-Ton von Claus Föttinger, aus dem Leidenschaft und der passende Hintergrundsound fließen. Auch in den Bars, durch die Räume entlang der Wände, fließt Kommentatoren-Poesie von Fußballreportagen, und viel Fußballgeschichte auf den verwendeten Fotos der Lampen und Tresenbilder. Eine stimmungsvolle, emotionale und mit energetischen Spannungen versehene Barsituation, die einen gesellschaftlichen Angelpunkt über den Fußball, und vor allem vor Ort zwischen Deutschland und Brasilien als Motivation für eine erfolgreiche Weltmeisterschaft im fernen Südamerika, und nicht zuletzt für das gesellschaftliche Leben in der Heimat, in Deutschland, anregen und vertiefen soll und wird.
Das Leben in Campo Bahia erfährt dank der künstlerischen Interventionen von 14 internationalen Künstlern eine neue Dimension, eine interkulturelle Qualität, die auf Nachhaltigkeit setzt und zwischenmenschlich Fragen des Bewusstseins, der Identität und des Miteinanders, der kulturellen Kommunikation Wert legt. Diese Werte sind wesentlich für ein Leben und eine in die Zukunft weisende Verantwortung gegenüber der Natur, der Kultur und vor allem gegenüber dem einzelnen Menschen. In diesem Sinne haben Sport und Kunst seit jeher dem Menschen einen Sinn auf dieser Erde gegeben. Es ist immer gut an die Grenze zu gehen, es ist immer sinnvoll Grenzen auszuloten und mit ihnen auf Entdeckungsreisen in neue Gebiete der Welt und der Menschen zu gehen.
Versteigerung für einen guten Zweck
Nach Ende der Weltmeisterschaft 2014 könnte die Kunst im Rahmen einer Versteigerung verkauft und der Erlös sozialen landesinternen Projekten zugeführt werden. Den Gewinn zu spenden, zeigt das Interesse, nicht nur kurzzeitiger Gast in einem Land gewesen zu sein, sondern etwas Nachhaltiges aus diesem temporären Aufeinandertreffen hervorgehen lassen zu wollen.
Silke Albrecht *1984 in Soest, lebt und arbeitet in Düsseldorf. 2006 begann Silke Albrecht ihr Studium der Freien Kunst an der Kunstakademie Munster bei Prof. Michael van Ofen bis sie im Jahr 2010 an die Düsseldorfer Kunstakademie wechselte.
Martin Denker *1976 in Hamburg, lebt und arbeitet in Düsseldorf
Juan Gopar *1958 in Arrecife, Lanzarote, lebt und arbeitet auf Lanzarote
Jason deCaires Taylor *1974 in England / Großbritannien, lebt und arbeitet zurzeit auf Lanzarote / Spanien
Alexander Ernst Voigt *1981 Berlin, lebt und arbeitet in Düsseldorf
Isabella Fürnkäs *1988 in Tokyo, lebt und arbeitet in Düsseldorf, studierte zuerst Kunstgeschichte und Philosophie an der Universität zu Köln, ging dann nach Zürich und absolvierte den Gestalterischen Vorkurs an der Züricher Hochschule der Künste. Seit 2010 studiert sie bei Andreas Gursky Freie Kunst an der Düsseldorfer Kunstakademie.
Diango Hernández *1970 in Sancti Spíritus (Kuba), lebt und arbeitet in Düsseldorf
Chris Succo *1979 in Düsseldorf, lebt und arbeitet in Düsseldorf und London
Moritz Wegwerth *1981 Ilbeshausen, lebt und arbeitet in Düsseldorf. 2010 Student der Freien Kunst bei Prof. Andreas Gursky an der Kunstakademie Düsseldorf. Davor studierte er bei Prof. Jörg Sasse an der Folkwang-Hochschule Essen
Andreas Gursky / Claus Föttinger. Andreas Gursky *1955 in Leipzig, lebt und arbeitet in Düsseldorf / Claus Föttinger *1960 in Nürnberg, lebt und arbeitet in Düsseldorf